Театр

Материал из свободной русской энциклопедии «Традиция»
Перейти к: навигация, поиск

Театр (греч. θέατρον место для зрелищ, зрелище) — род искусства, а также здание, предназначенное для представления драматических произведений перед публикой. Традиционно включает в себя сцену — площадку, где происходит действие, — и зрительный зал. Сцена, спроектированная под максимальное использование декораций, обычно обрамлена порталом. Противоположная крайность — выдающаяся в зал голая сцена, окруженная местами для зрителей с трех или даже четырех сторон. Впрочем, драматические представления могут проводиться и без подобного сооружения[1].

Введение[править]

Развалины античного театра. Эпидавр, Греция.

Искусство сцены родилось в глубокой древности. В разные времена оно было призвано, то развлекать, то воспитывать, то проповедовать. И с этими задачами театр справлялся — его возможности многообразны, а сила воздействия велика, и потому театральное искусство стремились поставить себе на службу короли и князья, императоры и министры, революционеры и консерваторы. Средние века в применении к театру выдвинули определение Theatrum Mundi, что в переводе с латыни означает «мир в театре». Сценическое пространство мыслили как модель мироздания, где следовало разыграть, повторить таинство творения. В эпоху Возрождения на театр всё чаще стали возлагать задачи исправления пороков. Осуждая «низкие нравы и заблуждения, следует побуждать людей к жизни достойной», — говорится в одном из сочинений того времени. А в эпоху Просвещения искусство сцены оценивалось очень высоко — как «очищающее нравы» и поощряющее добродетель. Эти идеи позже развил русский писатель и драматург Н. В. Гоголь. Для него сцена — «это такая кафедра, с которой можно много сказать миру добра». Тезис «театр — университет», сохраняет значение по сей день.

Во времена тирании и цензуры театр становился не только кафедрой, но и трибуной. Со сценических подмостков звучали призывы к свободе и сопротивлению. В годы революций XX века появился лозунг «Искусство — оружие» (был популярен в 20-х гг.). И театр стал выполнять ещё одну задачу — пропагандистскую.

Рассуждая о театре, А. С. Пушкин писал, что «дух времени требует перемен на сцене драматической». Лучшие театральные произведения всегда оказывались чуткими к историческим переменам. Театр был зеркалом, в котором отражались события и человек. Но мастера театра — творцы, и потому они способны не только понять настоящее, но также предвидеть будущее. Не раз в истории человечества сбывались пророчества, произнесённые со сцены.

Театру не однажды предрекали гибель, но он каждый раз выживал — выдержал конкуренцию и с кинематографом, и с телевидением, и с компьютером. Искусству, творящемуся на глазах у зрителей, суждена долгая жизнь. Преодолевая границы и языковые барьеры, оно являет миру новые открытия. Посещение хорошего спектакля — идёт ли он в прославленном театре или на маленькой студийной сцене — всегда духовное наслаждение и настоящий праздник.

Театр как вид искусства[править]

Страсти Христовы (фрагмент картины). Художник Ганс Мемлинг. XV век. Евангельские сюжеты часто становились основой театральных представлений.

Как и любой другой вид искусства: музыка, живопись, литература, театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.

Театр — 'искусство коллективное. Спектакль — это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение «работники театрального цеха»: спектакль — это и творчество, и производство.

Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный набор художественных средств. Спектакль — это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.

В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий — либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену — это своего рода «перевод» с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.

Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, — это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму — в лето, улицу — в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.

Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена-коробка и сцена-амфитеатр. Сцена-коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену-амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство — устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.

Большое значение всегда придавали театральному зданию. Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от повседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.

Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте — чтобы поддержать интерес публики.

Главное лицо в спектакле — актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ — своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства — не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем-то неуловимым — духом, душой.

Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но, тем не менее, они подчинены воле руководителя — режиссёра.

Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог — и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника-декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены «заговорить». И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.

Зритель сознательно, а порой и бессознательно, будто против воли, оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное — он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни.

Происхождение театра[править]

Театр — искусство «исчезающее», трудно поддающееся описанию. Спектакль оставляет след в памяти зрителей и очень мало вещественных, материальных следов. Именно поэтому наука о театре — театроведение, возникла поздно, в конце XIX столетия. Тогда же появились две теории происхождения театра. Согласно первой, искусство сцены (как западное, так и восточное) развилось из обрядов и магических ритуалов. В подобных действах всегда присутствовала игра, участники часто использовали маски и специальные костюмы. Человек «играл» (изображал, например, божество), чтобы воздействовать на окружающий мир — людей, природу, богов. Со временем некоторые обряды превратились в светские игры и стали служить для развлечения; позже участники таких игр отделились от зрителей. Другая теория связывает происхождение европейского театра с ростом самосознания личности. У человека возникла потребность выразить себя посредством зрелищного искусства, обладающего мощным эмоциональным воздействием.

Виды театра[править]

Первые театральные представления включали в себя слово и пение, танец и движение. Музыка и жесты усиливали значение слов, танцы иногда становились самостоятельными «номерами». Подобные действа отличались синкретизмом (от греч. «синкретисмос» — «соединение»), то есть такой степенью слитности составных частей (музыки и слова в первую очередь), что зритель не мог вычленить их в своём сознании и оценить каждую форму отдельно. Постепенно публика научилась различать элементы представления, и со временем из них развились известные нам виды театра. Синкретизм сменился синтезом — намеренным соединением разных форм.

Театральные маски «Комедии» и «Трагедии». Мозаика. Древнеримское искусство. II век.

Самый распространённый и популярный вид — драматический театр. Главное выразительное средство — слово (не случайно этот театр иногда называют разговорным). Смысл происходящих на сцене событий, характеры действующих лиц раскрываются с помощью слов, которые складываются в текст (он может быть прозаическим или стихотворным).

Большой театр - самый крупный театр оперы и балета в России.

Ещё один вид театрального искусства — опера. В опере условность театра особенно очевидна — ведь в жизни люди не поют, чтобы рассказать о своих чувствах. Главное в опере — музыка. Однако партитура (нотная запись музыки) должна быть представлена, разыграна на сцене, содержание произведения раскроется полностью только в сценическом пространстве. Такой спектакль требует особого мастерства от исполнителей: они должны не только уметь петь, но и обладать актёрскими способностями. При помощи звуков актёр-певец способен выразить самые сложные чувства. Воздействие музыкального спектакля — при сильном составе певцов, хорошем оркестре, профессиональной режиссуре — может быть мощным, даже опьяняющим. Оно подчиняет зрителя, уводит его в мир божественных звуков.

У.Лопаткина и И.Зеленский исполняют «Бриллианты» из балета Джорджа Баланчина «Драгоценности».

В XVI веке на основе придворных и народных танцев начал формироваться балетный театр. Само слово «балет» происходит от позднелатинского ballare — «танцевать». В балете о событиях и взаимоотношениях персонажей рассказывают движения и танцы, которые артисты исполняют под музыку, сочинённую на основе либретто. Либретто (от ит. libretto — «книжечка») — литературный текст оперы или сценарий для балета и пантомимы, в котором излагается содержание — последовательность действий на сцене. В конце XX века стали распространёнными бессюжетные спектакли, созданные на музыку симфонических произведений. Ставит подобные представления хореограф. «Хорея» в переводе с древнегреческого значит «пляска», а «гра'фо» — «пишу». Следовательно, хореограф «пишет спектакль» при помощи танца, строит пластические композиции в соответствии с музыкой и сюжетом. В балетных спектаклях, как правило, заняты солисты, а также корифеи — именно так в русском театре называли главного артиста кордебалета, танцевавшего на первой линии, ближе к зрителям. Кордебалетом именуют участников массовых сцен.

История оперетты насчитывает чуть больше полутора веков. В науке существуют две точки зрения на оперетту. Некоторые учёные считают её самостоятельным видом театрального искусства, другие — жанром (то же можно сказать о мюзикле).

Первые спектакли, преимущественно комического содержания, появились во второй половине XIX века в парижском театре «Буфф-Паризьен». Сюжеты оперетт обычно комедийные, разговорные диалоги чередуются с пением и танцами. Иногда музыкальные номера не связаны с сюжетом, являются интермедиями.

В конце XIX столетия в США появился мюзикл. Это сценическое произведение (как комическое, так и драматическое по сюжету), в котором используются формы эстрадного искусства, драматического театра, балета и оперы, бытового танца. В оперетте музыкальные фрагменты могут быть вставными, в мюзикле — никогда, они «растворены» в действии. Мюзикл — искусство для всех. Сюжеты, как правило, просты, а мелодии часто становятся шлягерами. История мюзикла началась в 1866 года — тогда в Нью-Йорке было показано музыкально-драматическое представление «Чёрный плут» (в другом переводе «Злодей-мошенник»). Успех был ошеломляющим и неожиданным. Однако полноправное место среди других видов театрального искусства мюзикл занял только в 20-х годах XX столетия. Подобные спектакли стали появляться сначала в США, а после Второй мировой войны — на сценах Англии, Австрии, Франции. Наиболее удачные мюзиклы были экранизированы: «Кабаре», «Шербурские зонтики», «Звуки музыки».

Файл:Mime.jpg
Мим. Театр пантомимы.

Самый древний вид театральных представлений — пантомима (от греч. «панто'мимос» — «всё воспроизводящий подражанием»). Это искусство зародилось ещё в античности. Современная пантомима — спектакли без слов: это или короткие номера, или развёрнутое сценическое действие с сюжетом. В XIX столетии искусство пантомимы прославили английский клоун Джозеф Гримальди (1778—1837) и французский Пьеро — Жан Гаспар Дебюро (1796—1846). Традиция была продолжена Этьеном Декру (18981985) и Жаном Луи Барро (19101994). Декру основал школу так называемой чистой пантомимы — чтобы делать на сцене «только то, что не под силу другому искусству». Сторонники таких представлений считали, что жест правдивее и ярче слова. Традиции Барро и Декру продолжил знаменитый французский мим Марсель Марсо (1923-2007). В Москве Генрих Мацкявичюс организовал Театр пластической драмы, репертуар которого включает сложные и глубокие спектакли на мифологические и библейские темы.

В последнюю четверть XIX века по всей Европе, но в первую очередь во Франции, стали создаваться театры-кабаре, в которых соединились формы театра, эстрады, ресторанного пения. Наиболее знаменитыми и популярными были «Чёрная кошка» в Париже, «Одиннадцать палачей» в Мюнхене, «Пропади всё пропадом» в Берлине, «Кривое зеркало» в Петербурге.

В помещениях кафе собирались люди искусства, и это создавало особую атмосферу. Пространство таких представлений могло быть самым необычным, но чаще всего выбирался подвал — как нечто обыкновенное, но в то же время таинственное, немного запретное, подпольное. С кабаретными представлениями (короткими сценками, пародиями или песнями) и для публики, и для исполнителей было связано особое переживание — чувство ничем не скованной свободы. Ощущение тайны обычно усиливалось тем, что такие представления давались поздно, иногда ночью. По сей день в разных городах мира встречаются настоящие кабаре.

Куклы и кукловоды.

Особый вид театрального представления — кукольный театр. В Европе он появился в эпоху античности. В Древней Греции и Риме игрались домашние спектакли. С того времени театр, конечно, изменился, но осталось главное — в таких представлениях участвуют только куклы. Впрочем, в последние годы куклы часто «делят» сцену с актёрами.

У каждого народа свои кукольные герои, в чём-то похожие, а чем-то разные. Но всех их объединяет одно: на сцене они шутят, озорничают, высмеивают недостатки людей. Куклы отличаются друг от друга, и по «внешности», и по устройству. Наиболее распространены куклы, управляемые при помощи ниток, перчаточные и тростевые куклы.

Представления кукольного театра требуют специального оборудования и особой сцены. На первых порах это был просто ящик с проделанными снизу (или сверху) отверстиями. В Средние века спектакли устраивались на площади — тогда между двух столбов натягивалась занавеска, за которой прятались кукловоды. В XIX веке представления стали играть в специально выстроенных помещениях.

Особая форма кукольного театра — театр марионеток, деревянных кукол. Для кукольного театра сочинялись специальные сценарии.

История мирового театра кукол знает много известных имён. Огромным успехом пользовались спектакли С. В. Образцова. Новые решения предлагает в своих фантазиях Реваз Леванович Габриадзе (родился в 1936 году), грузинский кукольник и драматург.

Драматургия[править]

Icons-mini-icon 2main.png Основная статья: Драматургия

Собираясь поставить спектакль, его создатели сначала выбирают пьесу, которую они хотят разыграть на сцене, то есть непременно обращаются к драматургии. Особый текст, предназначенный для показа публике, называется драмой или пьесой. Слово «драма» древнегреческого происхождения и означает «действие». Его можно перевести и как «действо». Этому слову свыше двадцати пяти веков. Термин «пьеса» (от фр. piece — «кусок») родился значительно позднее. В XVI—XVII веках этим словом называли любой фрагмент, который либо представляли актёры, либо исполняли музыканты. Лишь в XVIII столетии так стали именовать текст, написанный для сцены.

В IV веке до н.э. древнегреческий философ Аристотель (384—322 до н.э.) определил драму как один из родов литературы наряду с эпосом — род литературных произведений, в которых повествование ведётся спокойно и размеренно; личность автора остаётся за пределами текста, и лирикой — род литературных произведений, в центре которых — рассказ о внутреннем мире самого автора. Согласно Аристотелю, драма объединяет признаки того и другого.

Спустя много веков, в XVIII столетии, драмой начали называть не только род литературы, но и жанр драматургии. Понятие жанра возникло тогда же, в античные времена, только Аристотель называл его «вид». Термин жанр (фр. genre) утвердился во Франции в XVII веке, и толковать его следует как способ изображения, форму описания различных явлений и событий. Аристотель рассмотрел только два жанра: трагедию (греч. «трагодиа») и комедию (греч. «комодиа»). В трактате «Поэтическое искусство» («Поэтика») он писал, что драма подражает действию. Она не описывает события, а показывает их через поступки действующих лиц. Центральное понятие в античной поэтике — мимесис (греч. «подражание»); оно сохранило своё значение и по сей день. Трагедия подражает (теперь чаще говорят: изображает или отображает) чему-то ужасному, страшному, но обязательно значительному. Стержень комедии — нелепые события, поступки смешных и забавных людей. Таким образом, трагедия и комедия — два полюса драматургии. В XVIII столетии появились пьесы, где признаки трагедии и комедии соседствуют. Этот новый жанр и получил название «драма».

Итак, понятие «драма» имеет двойное значение: это и один из трёх родов литературы, и в то же время жанр внутри одноимённого рода. А драматургией именуют литературные тексты, отличающиеся особыми чертами. В драматических произведениях автор изображает отношения между людьми, их переживания, ошибки и удачи при помощи диалога (репликой (фр. réplique, от лат. replico — «возражаю») в пьесе называется текст, произнесённый одним персонажем в расчёте на ответ другого.). Драматические персонажи именуются действующими лицами. Их список всегда помещается перед текстом пьесы. Иногда автор просто перечисляет персонажей, иногда описывает их более или менее подробно — указывает возраст, характер одежды, даже цвет волос и глаз.

Часто многие события, упоминаемые в пьесе, на сцене не происходят — о них рассказывают сами персонажи. О появлении действующих лиц читатели узнают из ремарок (фр. remarque) — пояснений автора, предназначенных для читателя, постановщика и актёра.

Ремарки определяют построение сценического пространства — обозначают перемещение героев пьесы по сцене («Подошёл к столу»), иные действия («Зажёг свечу», «Надевает перчатки»). Иногда они кратко описывают состояние действующих лиц, интонацию, с какой произносятся реплики (нервно, тихим голосом, с отчаянием, плача и т. п.). В разные периоды развития театрального искусства ремарки бывали различными; у некоторых драматургов они превращались в развёрнутые, подробные описания.

Первые драматические произведения, появившиеся в эпоху античности, предназначались исключительно для сценического воплощения. В течение долгого времени (и в эпоху Возрождения, и в XVII веке) драматург мог увидеть своё произведение только на сцене. О том, что драма — род литературы, как учил Аристотель, словно забыли. Великие драматурги: Жан Батист Мольер, Уильям Шекспир и другие — не стремились, чтобы текст был опубликован. Работая над пьесой, они представляли себе актёров, их голоса, облик.

В XVIII столетии отношение к драматургии и вообще к театральному искусству изменилось. Век Просвещения требовал, чтобы со сцены звучали возвышенные слова, а постановки служили воспитательным целям. Соответственно повысились требования к театральным текстам. Пьеса стала оцениваться не только как материал для сцены, но и как литературное произведение. Появилось понятие «драма для чтения». В Германию конца XVIII века оно пришло из Древнего Рима: в те далёкие времена сочинения драматурга и философа Луция Аннея Сенеки (около 4 до н.э. — около 65 н.э.) тоже предназначались для чтения. Однако эта традиция в истории театра не имела продолжения вплоть до XVIII столетия, когда начали печататься сборники пьес.

В течение XIX и XX веков писатели и люди театра не раз пытались разделить сцену и драму. Сцена часто была не готова понять современную драматургию и предпочитала новым пьесам произведения, написанные давно и проверенные временем. Тем не менее, драма (пьеса) должна быть поставлена на сцене — таковы законы театрального искусства. Персонажи драмы — именно действующие лица; сюжет, то есть последовательность событий, определяет сценическое действие. Пьеса раскрывается в полной мере только в пространстве сцены, во время спектакля, который смотрят зрители.

Кроме трагедии, комедии и «среднего» жанра — драмы — с давних пор игрались мимы (от греч. «мимесис» — «подражание») — короткие сценки чаще всего комического содержания, сочетающие импровизированный диалог, пение и танцы. Позднее, в конце эпохи Возрождения, появилась трагикомедия— в ней соседствовали признаки трагедии и комедии. Однако от драмы этот жанр отличается тем, что в трагикомедии всегда налицо двойственное отношение к жизни, понятия добра и зла чётко не определены, чёрное и белое могут меняться местами.

В XVIII столетии возник ещё один вид пьес — мелодрама (от греч. «мелос» — «песнь», «мелодия» и «драма»). Первоначально такие спектакли действительно сопровождались музыкой. Позже мелодрамами стали называть пьесы, где изображаются ужасные события, но всё завершается, как правило, хорошо. Добрые люди, пережив горе и потрясения, обретают тихую гавань — счастье и достаток, а злодеи либо умирают страшной смертью, либо заканчивают свою жизнь за решёткой. Персонажи мелодрамы всегда говорят друг с другом на повышенных тонах, сопровождая речь резкими жестами, горько плачут или громко рыдают. В отличие от трагикомедии зло и добро, чёрное и белое резко разделены. Нравственные выводы не терпят разночтений. Сюжеты и приёмы мелодрамы широко используют создатели современных телесериалов (например, «Богатые тоже плачут», «Поющие в терновнике»).

К рубежу XIX—XX веков относится появление монодрамы (от греч. «монос» — «один», «единственный» и «драма»). Это произведение для сцены (драма, комедия или даже водевиль), написанное для одного актёра.

Актёрское искусство[править]

За двадцать пять веков существования театра его служители пережили гонения и триумфы, любовь и ненависть. Долгое время на тех, кто носил маску, личину, окружающие смотрели с недоверием и даже опаской. Пугала сама сущность актёрского ремесла — умение стать другим человеком, сегодня — весёлым и добрым, а завтра — мрачным и злым.

Актёрское искусство имеет обрядовое происхождение. Первыми актёрами можно считать жрецов: исполняя ритуалы, они, по сути, играли роль и знать её должны были без запинки. Жрецы надевали специальные костюмы, иногда маски. У современных актёров есть и другие предшественники — шуты. Они появились в истории человечества очень рано. Шут, как и жрец, приняв на себя роль, не отказывался от неё в течение всей жизни.

Такая «родословная» объясняет двойственное отношение к актёрам. Бытовали две крайние точки зрения. Актёр часто воспринимался зрителями или как избранник — служитель высокого искусства, беседующий с богами, или как легкомысленный и грубый потешник. В первом случае его приравнивали к жрецу, а во втором — к шуту.

В Древней Греции актёров, исполнявших короткие бытовые сценки, называли мимами, то есть подражателями. В античном мире родилось и иное понятие — актёр. Так именовали тех, кто играл в трагедиях и комедиях. Слово произошло от латинского actus, что значит «поступок», «действие». В большинстве европейских языков закрепилось второе слово.

Собственно, два эти названия и выражают суть актёрского искусства: действие и игра, подражание. Актёр на сцене должен и действовать согласно сюжету пьесы, и играть роль — быть не самим собой, а другим человеком. Игровое начало подчёркнуто в немецком наименовании средневекового актёра — шпильман и шаушпиллер (от нем. Spiel — «игра»).

Исполнителю необходимо испытывать чувства своего героя или достаточно только показать признаки этих чувств — и зритель поверит? В какой степени актёр должен перевоплощаться в персонаж, который он играет? В зависимости от ответа на эти вопросы актёры выбирали манеру исполнения. К концу XX столетия сложились различные стили актёрского искусства. Стиль составлен из отдельных элементов, как мозаика, но зрители не видят «кирпичиков». Для них актёр на сцене — живой человек, действующий, думающий, страдающий и радующийся. Анализировать и замечать «швы» — дело театральной критики. Главная задача исполнителя — заставить публику переживать, увлечь зрителя.

В современном понимании мим — актёр, который играет без слов, при помощи пластики тела и мимики (выражения лица).

В античную эпоху театральные представления были частью общественной жизни: трагедии и комедии играли на праздниках, посвящённых богу Дионису. Исполнение пьес, особенно трагедий, требовало мастерства, однако участники спектаклей не считали это занятие профессией и после окончания празднеств возвращались к повседневным делам. Древние греки очень ценили актёрские успехи сограждан и лучших удостаивали наград.

Первым профессиональным театром стали спектакли итальянской комедии дель арте, возникшей в XIV веке. Собственно, понятие «комико дель арте» и означает «профессиональный актёр». В этот период в Италии обострились разногласия между Церковью и театром, существовавшие всегда. Христианская церковь считала актёров «слугами дьявола». Однако уже на рубеже XVI—XVII веков появились сочинения, в которых театральное искусство признавалось занятием полезным, а актёры — воспитателями. В эпоху Просвещения завязался спор о том, что такое игра актёра: представление или переживание? XVIII столетие — время значительных перемен в театральном искусстве. К сцене стали относиться серьёзно, и вполне естественно, что возник вопрос о сущности актёрского мастерства. Один из выдающихся мыслителей эпохи Просвещения — драматург и прозаик Дени Дидро (17131784) написал трактат «Парадокс об актёре» (1770 год).

По мнению Дидро, актёру надлежит выступать с холодной, даже «ледяной» головой, «чувствительность» же сцене противопоказана. Сильные чувства следует показывать, а не испытывать. «Чувствительность отнюдь не является свойством гения, — писал Дени Дидро, — всем ведает не сердце, а голова».

После появления «Парадокса об актёре» развернулась полемика о природе актёрского творчества. Вопрос обсуждался очень бурно и широко — и в театральных кругах, и среди зрителей. Появились сторонники «школы представления» (по Дидро) и «школы переживания».

Со временем разногласия не исчезли. На рубеже XVIII—XIX веков представители романтизма поддержали «школу переживания». Они считали, что актёру необходимо жить страстями героя, и тогда зритель постигнет высшую правду жизни. Появилось сочинение, в котором высказывалась другая точка зрения. В книге «Правила для актёров» (1803 год) Гёте утверждал, что актёру следует не только подражать природе, но также научиться следовать идеалу, то есть «улучшать», «подправлять» природу по законам красоты. Исполнитель, рассуждал Гёте, находится на сцене, на него смотрят, поэтому он должен являть собой образец независимо от того, какую роль играет. Такие требования заставляли следовать норме; природа же театра норме сопротивлялась. Актёры — самые своенравные и непредсказуемые участники театрального процесса. Они всегда хотели нравиться публике, и очень часто, оставшись на подмостках сцены один на один со зрителем, забывали о правилах, усвоенных в процессе репетиций, и играли на свой страх и риск. К концу XIX века в европейских странах сложились национальные стили актёрского искусства. В Италии и отчасти в Австрии любили импровизацию (от лат. improvisus — «неожиданный», «внезапный»), то есть способ игры, при котором в момент представления может родиться новый пластический приём или интонация. Французы привыкли следовать правилам, выработанным ещё в XVII веке. Главным в театре считалось слово, поэтому актёры много работали над текстом и на спектаклях демонстрировали красоту речи. На российской сцене играли вопреки Дидро, слушая сердце. К тому времени во многих европейских странах действовали учебные заведения, готовившие актёров. Старейшее из них — Парижская консерватория (включала драматические классы).

XX век подарил искусству театра столько теорий актёрского мастерства, сколько ни одно другое столетие. Актёры, режиссёры, драматурги стремились разработать собственные системы. Одна из самых известных принадлежит Константину Сергеевичу Станиславскому (18631938), одному из создателей Московского Художественного театра. Труды Станиславского — «Работа актёра над собой» и «Работа актёра над ролью» стали своеобразной библией для актёров. Интерес к методике, появившийся в первые десятилетия XX века, не ослабевает и в конце столетия. Новые теории, даже опровергая положения Станиславского, так или иначе, опираются на эти поистине эпохальные сочинения.

К С. Станиславский сам был актёром, с ранних лет выступал и в любительских, и в профессиональных спектаклях. Его увлекали загадки профессии, смысл и форма существования артиста на сцене. Как сочетаются игра, лицедейство, даже притворство с правдой, полным погружением в роль? Обобщил свои мысли об искусстве театра Станиславский только в зрелые годы, когда у него накопился большой опыт — и актёрский, и режиссёрский, и педагогический.

Достичь правды чувств актёр может, если полностью перевоплотится, «влезет в шкуру» своего героя. Эту мысль высказал ещё великий русский артист Михаил Семёнович Щепкин, а Станиславский разработал приёмы, при помощи которых можно вжиться в роль. Важным режиссёр считал воспитание актёра — служитель театра должен обладать особой этикой, знать, для чего выходит на сцену и что хочет сказать зрителям. «Роль актёра не кончается с опусканием занавеса — он обязан и в жизни быть искателем и проводником прекрасного», — писал Станиславский.

Современный человек часто не может вести себя естественно, согласно своей внутренней сути. Чтобы понять героя, актёр должен «проникнуть» в его душу, когда тот не связан условностями официальной жизни. Станиславский призывал показывать персонажи «через их внутренние истории».

Долгое время в искусстве сцены не была решена проблема актёрского ансамбля. В спектаклях театра романтизма часто выделялся один актёр, исполнитель главной роли. Иногда зрители следили за парой актёров, особенно если они играли любовный дуэт. В театре XX века, во многом благодаря Станиславскому, стал важен именно ансамбль актёров. О значимости такого ансамбля писал и другой выдающийся режиссёр — Всеволод Эмильевич Мейерхольд (18741940). Именно «группа лиц» должна развернуть перед зрителем картину жизни, а не один актёр-солист.

В современном театральном искусстве постепенно складывается новый тип актёра драматического театра. Такой артист знаком с ведущими национальными школами, читал Станиславского, Гротовского, Арто, Брехта, интересуется и совсем новыми идеями. Он может выбирать, но чаще в его творчестве вполне мирно уживаются элементы разных школ, приёмы актёрской техники, заимствованные из разных теорий. Актёр конца XX века, и российский, и западный, освоил и приёмы вживания в образ персонажа, и принципы отстранения, и импровизацию. Во имя достижения такой свободы существования на сцене и работали великие актёры и режиссёры прошлого — сомневались, разочаровывались, на их долю выпадали и оглушительный успех, и крупные неудачи.

Литература[править]

  • Энциклопедия для детей. Том 7. Искусство. Ч. 3. Музыка. Э68 Театр. Кино / Глав. ред. В. А. Володин. — М.: Аванта+, 2000. — 624 с.: ил. ISBN 5-8483-0031-3 (т. 7, ч. 3) ISBN 5-8483-0001-1

Примечания[править]